SON MIEUX – Intervista su “24 HOURS”
In occasione dell’uscita del nuovo album “24 Hours“, ho intervistato la band SON MIEUX.
24 HOURS sembra costruito come un ciclo narrativo completo: quanto era chiara fin dall’inizio l’idea di raccontare una giornata intera attraverso la musica?
Credo che l’idea alla base di “24 Hours” sia emersa chiaramente mentre stavamo scrivendo. Molte delle canzoni presentavano già al loro interno questo naturale gioco di tensioni, tra luce e oscurità, speranza e dolore. In quel periodo ci sono stati veri e propri alti e bassi, sia nelle nostre vite personali che all’interno della band. Guardando indietro, gli ultimi cinque anni sembrano quasi un ciclo a sé stante. Si attraversano momenti in cui tutto sembra davvero connesso e in armonia, e poi all’improvviso le cose diventano incerte. Costruisci qualcosa, poi crolla un po’, e poi ritrovi la strada per tornare l’uno verso l’altro. Quell’idea si ricollega anche al concetto stesso di giornata. Ogni 24 ore iniziano con un certo senso di possibilità, ma non sempre vanno come ti aspetti. Eppure, continuano a ripetersi. E penso che sia proprio quella ripetizione a renderle significative. Perché ogni nuovo giorno è fondamentalmente un’altra occasione per ricominciare da capo e riprovare.
La tracklist è scandita da orari e interludi: come avete lavorato per dare all’album questa sensazione cinematografica e temporale?
Di certo non è iniziato così, ma una volta pubblicate canzoni come «Tonight», «Free For Another Day» e «Morning», la struttura ha cominciato a diventare più evidente. Molte delle canzoni avevano già in sé questo naturale tira e molla tra il giorno e la notte, la speranza e il dolore. E immagino che questo rifletta anche un po’ quello che stavamo vivendo in quel periodo. Quando ci ripensiamo ora, sembra davvero un po’ ciclico. Costruisci qualcosa, perdi un po’ di presa, poi ritrovi la strada. È anche per questo che l’idea di una giornata intera ci è sembrata così sensata. È stato anche divertente cercare di capire quali canzoni appartenessero a quale fascia oraria. Alla fine, non si trattava tanto dell’ora letterale sull’orologio, quanto piuttosto della sensazione che una canzone ti trasmette. È piena di speranza? Sta cercando qualcosa? Sembra la fine di una lunga giornata o l’inizio di una nuova? Quelle conversazioni ci hanno effettivamente aiutato a capire meglio le canzoni noi stessi.
C’è un momento preciso della giornata che sentite particolarmente rappresentativo del mood del disco?
Se dovessi sceglierne uno, probabilmente direi la mattina. Gran parte di *24 Hours* parla di incertezza, dubbi e delle contraddizioni che si possono provare dentro di sé. Ma anche in quei momenti, di solito c’è la sensazione che le cose possano andare avanti, un senso di speranza. La mattina rappresenta proprio questo per noi. È quel momento in cui ti viene data un’altra possibilità, in cui il passato è ancora lì, ma non sei completamente definito da esso. Probabilmente è per questo che anche l’album si conclude lì. Non perché tutte le domande abbiano trovato una risposta, ma perché c’è abbastanza speranza per andare avanti.
Musicalmente l’album mescola indie pop, disco, soul e influenze anni ’70 e ’80: quali sono stati gli artisti o i dischi che vi hanno ispirato maggiormente durante la scrittura?
Credo che nelle canzoni si riflettano molte influenze diverse, ma se dovessi citarne alcune, direi Bruce Springsteen, David Byrne e gli U2.
Il vostro sound è molto raffinato ma allo stesso tempo immediato: quanto conta il lavoro di produzione nel definire l’identità dei Son Mieux?
La maggior parte delle canzoni di questo album è stata registrata come si faceva con i classici del rock, con tutti gli strumenti suonati contemporaneamente anziché sovrapposti in fase di post-produzione. Questo approccio era davvero importante per noi, perché volevamo che l’energia collettiva che proviamo durante i concerti fosse presente anche nel disco. Lavorare con attrezzature vintage è anche molto divertente. Conferisce al suono una certa qualità “imperfetta”, e quell’imperfezione aggiunge realismo a un brano e impedisce che diventi troppo asettico o eccessivamente levigato. La composizione oscilla tra il pop molto moderno e qualcosa di simile al rock classico. Ad esempio, “Feels Pt.2” è pop molto moderno, mentre “24 hours” è più rock classico. È bello aver trovato un equilibrio in cui i due generi possano coesistere.
Come nasce solitamente una vostra canzone: da un groove, da una melodia, da un testo o da una jam collettiva?
Dipende dalla canzone, in realtà! Ma per questo album l’idea era quella di cercare di catturare l’energia che creiamo dal vivo come band di sette elementi. Quindi abbiamo spostato tutto nella sala prove: suonando le canzoni e i demo dal vivo, facendo jam session, registrando il più possibile sul momento. Partire da questo come base e costruire da lì rende il tutto più coeso. Ha anche reso l’intero processo più aperto, e penso che abbia dato all’album una sorta di coesione che deriva proprio dal fatto di averlo costruito insieme in tempo reale.
Essendo una band numerosa, come funziona il processo creativo all’interno del gruppo? Tutti contribuiscono agli arrangiamenti?
Con sette musicisti, la cosa più importante è creare spazio gli uni per gli altri e anche semplicemente ascoltare ciò di cui una canzone ha bisogno. Non è necessario che tutti suonino in ogni momento, quindi gran parte del lavoro consiste nel capire chi è davvero indispensabile in ogni momento di un brano. Un altro aspetto che aiuta è che non consideriamo i ruoli come fissi. Molti di noi suonano strumenti diversi, quindi ci si scambia i ruoli a seconda della canzone. Non si tratta mai di cercare di far entrare sette persone in ogni battuta. Si tratta piuttosto di assicurarsi che sia la canzone a guidare, e noi seguiamo semplicemente ciò di cui ha bisogno in quel momento.
Camiel e Quinten, quanto è importante il vostro rapporto personale nella scrittura dei brani?
Il nostro rapporto personale ha sempre avuto un ruolo fondamentale nel processo di scrittura e creazione delle canzoni. Sia io che Quinten scriviamo canzoni, e credo che ciò che ci permette di lavorare bene sia il fatto che non abbiamo bisogno di lunghe spiegazioni. C’è anche un certo grado di sincerità che deriva dall’essere fratelli. Se qualcosa non ci convince, lo diciamo subito. Penso che questo aiuti molto nella composizione, perché ci permette di procedere rapidamente senza riflettere troppo sulle cose. In definitiva, quel rapporto è una parte importante di come prendono forma le canzoni.
In 24 HOURS si percepisce un forte equilibrio tra energia e malinconia: era qualcosa che cercavate consapevolmente?
Quel contrasto è una linea sottile su cui ci piace muoverci con equilibrio. È un equilibrio che ci viene molto naturale e che rispecchia la realtà della nostra vita. Non si è mai solo una cosa alla volta. Ci si può sentire bene e allo stesso tempo incerti, entusiasti ma smarriti, a volte tutto questo nell’arco di una sola giornata. Non è stato tanto un progetto consapevole, quanto piuttosto qualcosa che abbiamo continuato a riconoscere e a seguire man mano che l’album prendeva forma.
C’è una canzone dell’album che considerate il vero cuore emotivo del progetto?
È sempre una domanda difficile, è come dover scegliere tra le persone che ami. Ma se proprio dovessi scegliere, direi che ci sono due brani nell’album che costituiscono il cuore emotivo del progetto. Il primo è “Tonight”, perché ha davvero dato il via alla nuova direzione intrapresa dalla band. Ha definito il tono della nuova musica che è seguita. La seconda è “Someone”, che è stata registrata al primo tentativo in studio e che, ancora oggi, non vogliamo provare troppo perché la sensazione imprevedibile che crea mentre la suoniamo le conferisce un tocco in più che adoriamo.
I vostri testi parlano spesso di tempo, relazioni e cambiamento: quanto c’è di autobiografico in questo disco?
È decisamente autobiografico. Quando scrivo, di solito parto da qualcosa di molto intimo: solo una sensazione, o un verso. Osservo le persone che mi circondano e ciò che stanno vivendo, e cerco di coglierlo in modo sincero. Ma alla fine, mi rendo sempre conto che inevitabilmente torno a me stessa. Voglio che le canzoni parlino a te personalmente, quasi come se fossero destinate solo a te, ma allo stesso tempo dovrebbero sembrare qualcosa che vuoi condividere con altre persone. “24 Hours” è un riflesso delle nostre esperienze: la pressione, il punto di rottura, e poi l’accettazione e la rinascita.
Dopo The Mustard Seed, sentivate pressione nel dover confermare il successo raggiunto dalla band?
Stranamente, credo che con «24 Hours» abbiamo sentito meno pressione perché tutto è venuto in modo molto naturale. Con «The Mustard Seed» avevamo la sensazione di dover affermare qualcosa e metterci alla prova. Con questo nuovo album, abbiamo lavorato molto di più insieme in sala prove e le canzoni hanno semplicemente iniziato a prendere forma in modo organico. È stato più come seguire ciò che stava già accadendo davanti ai nostri occhi.
Cosa pensate distingua oggi i Son Mieux dalla scena indie pop europea contemporanea?
È una domanda difficile a cui rispondere parlando di noi stessi. Non so se abbiamo mai cercato di distinguerci dagli altri. Ma credo che l’energia che trasmettiamo dal vivo, essendo una band di sette elementi, sia qualcosa che sembra funzionare davvero bene in ogni luogo.
Dal vivo avete una forte reputazione come live band: quanto cambia l’energia delle nuove canzoni sul palco rispetto alle versioni in studio?
Quasi tutte le canzoni dell’album hanno preso forma mentre le suonavamo nella nostra sala prove; quindi, in un certo senso è da molto tempo che pensiamo a come renderle sul palco. In questo momento siamo nel bel mezzo del nostro tour olandese più grande di sempre ed è stato davvero divertente portare questo nuovo album in tour con noi. L’energia delle nuove canzoni è decisamente diversa rispetto alle versioni in studio. Una volta che si trovano in una sala piena di gente, assumono una seconda vita.
C’è un brano di 24 HOURS che vi ha sorpreso particolarmente una volta portato live?
Il nostro primo duetto, “Dark Before The Dawn”. La reazione del pubblico a questa canzone è incredibile, e non ce lo aspettavamo affatto. Ogni volta che Maud, la nostra violinista, inizia a cantare, la gente impazzisce. È stato davvero speciale vedere quanto questo brano riesca a coinvolgere il pubblico dal vivo e come continui a crescere ogni volta che lo suoniamo.
Che rapporto avete con il pubblico italiano e quali ricordi avete dei concerti in Italia?
L’estate scorsa abbiamo avuto l’onore di aprire i concerti di Nile Rodgers in Italia, un’esperienza già di per sé incredibile. Il pubblico italiano ci ha accolto con grande calore e apertura. Non sapevamo bene cosa aspettarci, ma vedere la gente a Lucca, Roma, Cattolica e Bari ballare al ritmo della nostra musica è stato davvero speciale. È proprio grazie a quel viaggio che ci siamo innamorati dell’Italia. Ricordo che a Bari abbiamo avuto un giorno libero tra un concerto e l’altro, l’abbiamo trascorso in spiaggia e poi quella sera abbiamo cenato tutti insieme in città. Sono quei momenti, sia fuori dal palco che sul palco, che ti restano impressi a lungo. Speriamo di tornare presto.
Guardando al disco nel suo insieme, qual è stato il momento più difficile o più intenso durante la registrazione?
Credo che dover ritardare l’uscita dell’album e rinviare il tour nei club sia stato il momento più difficile di questo processo di registrazione. L’anno scorso, il tour incessante ha iniziato a pesare sulla mia salute mentale. Mi sembrava di vivere la vita come un sonnambulo, e siamo arrivati al punto di dover rimandare il nostro tour nei club lo scorso autunno. È stata una delle decisioni più difficili che abbia mai dovuto prendere. Ma penso che abbia segnato una grande svolta: scegliere di riposarmi e fare un passo indietro. È lì che entra in gioco il senso di rinnovamento. Tornare sul palco dopo questa pausa è stato incredibile e ci ha davvero aiutato a ritrovare il legame con il motivo per cui facciamo tutto questo. Quindi l’arco narrativo non è solo lotta o solo successo, è l’intero ciclo di andare avanti, raggiungere i limiti, fare un passo indietro e ritrovare l’energia. È anche di questo che parla “24 Hours”.
Se 24 HOURS fosse un film, che tipo di film sarebbe?
Adoro questa domanda. Se “24 Hours” fosse un film, probabilmente sarebbe un film che racconta una giornata tipo, qualcosa di simile a “Before Sunrise” di Richard Linklater. Una storia su due sconosciuti che si incontrano e trascorrono una giornata insieme. È molto intimo e incentrato sui dialoghi, e in realtà parla del legame emotivo che si instaura in quel breve lasso di tempo. L’idea del tempo che passa e dell’alba come simbolo di speranza e di un nuovo inizio si collega sicuramente a ciò che “24 Hours” rappresenta per noi. Un altro riferimento potrebbe essere “Punch Drunk Love” di Paul Thomas Anderson. Il film segue qualcuno che cerca di trovare il proprio posto nel mondo, destreggiandosi tra amore, pressioni e il proprio modo di affrontare la vita. È un po’ incompreso e le cose non vanno sempre liscie, ma c’è qualcosa di molto umano nel modo in cui va avanti e si relaziona con gli altri lungo il percorso. Penso che quel film condivida un ritmo emotivo simile a quello dell’album, anche se parte da un punto di vista più cupo. In entrambi c’è questo filo conduttore di speranza, incomprensione e, alla fine, una sorta di accettazione.
Qual è la canzone dell’album che consigliereste a chi non vi ha mai ascoltato prima?
Il brano che dà il titolo all’album, “24 Hours”. Credo che in un certo senso riassuma l’intero disco. Sembra davvero il perno dell’album, l’idea che attraversa tutto il resto. L’essenza della speranza è in primo piano, specialmente nel testo: “Queste 24 ore non mi possono nulla. E terrò la testa alta. Ogni giorno è un dono”. Se volete capire l’album in un colpo solo, probabilmente è da lì che dovreste partire.
Dopo un disco così concettuale, vi vedete continuare su questa strada narrativa anche in futuro oppure pensate a qualcosa di completamente diverso?
Credo che non pianifichiamo mai con così tanto anticipo per quanto riguarda i concetti. “24 Hours” ha preso forma come racconto mentre lo stavamo realizzando, ma non era qualcosa che avevamo deciso di fare fin dall’inizio. Quindi potrei immaginare che il prossimo progetto sia di nuovo qualcosa di completamente diverso. Ciò che probabilmente rimarrà invariato è il nostro modo di lavorare attuale: stare insieme in una stanza, suonare dal vivo e lasciare che le cose si sviluppino da lì.
MAURIZIO DONINI
Band:
Camiel Meiresonne — voce principale, chitarra, percussioni
Timo Prins — basso, sintetizzatori, cori
Olivier Lucas — batteria, percussioni, cori
Maud Akkermans — violino, tromba, percussioni, cori
Niels de Maa — chitarra, cori
Michiel Mutsaerts — tastiere, cori
Justin Schellekens — sassofono, percussioni, cori
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** ENGLISH VERSION **
24 HOURS feels like a complete narrative cycle: how clear was the idea from the beginning to tell the story of an entire day through music?
I think the idea behind “24 Hours” became clear while we were writing. A lot of the songs already had this natural push and pull in them, between light and dark, hope and pain. There were real ups and downs in that period, both in our personal lives and within the band. Looking back, the past five years almost feel like a cycle in itself. You go through these moments where everything feels really connected and in flow, and then suddenly things get uncertain. You build something up, it breaks down a bit, and then you find your way back to each other. That idea also ties back to the concept of a day itself. Every 24 hours starts with a certain sense of possibility, but it doesn’t always happen the way you expect. Still, it keeps repeating. And I think that repetition is what makes it meaningful. Because every new day is basically another chance to reset and try again.
The tracklist is marked by specific times and interludes: how did you work on giving the album this cinematic and time-driven feeling?
It definitely didn’t start out that way, but once we released songs like ‘Tonight’, ‘Free For Another Day’, and ‘Morning’, the structure started to become more obvious. A lot of the songs already had this natural push and pull in them, between day and night, hope and pain. And I guess that also reflects a bit of what was going on for us at the time. When we look back now, it really does feel a bit cyclical. You build things up, you lose a bit of grip, you find your way back again. That’s also why the idea of a full day made so much sense to us. It was also fun trying to figure out which songs belonged to which time-zone. In the end, it was less about the literal time on the clock but more about the feeling a song gives you. Is it full of hope? Is it searching for something? Does it feel like the end of a long day or the beginning of a new one? Those conversations actually helped us understand the songs better ourselves.
Is there a specific moment of the day that you feel best represents the mood of the album?
If I had to pick one, I’d probably say the morning. A lot of 24 Hours deals with uncertainty, doubt, and the contradictions you can feel within yourself. But even in those moments, there’s usually a sense that things can move forward, a sense of hope. The morning represents that for us. It’s that moment where you get another chance, where yesterday is still there, but you’re not completely defined by it. That’s probably why the album ends up there as well. Not because all the questions have been answered, but because there’s enough hope to keep going.
Musically, the record blends indie pop, disco, soul and ‘70s/‘80s influences: which artists or albums inspired you the most during the writing process?
I think a lot of different influences find their way into the songs, but if I had to name a few, I’d say Bruce Springsteen, David Byrne, and U2.
Your sound is very refined but still immediate and accessible: how important is production in shaping the identity of Son Mieux?
The majority of the songs on this album are recorded like they did with classic rock songs, with all instruments played at the same time rather than built up through overdubs. That approach was really important to us, because we wanted the collective energy we experience during live shows to be present on the record as well. Working with vintage gear is also a lot of fun. It brings a certain ‘imperfect’ quality to the sound, and that imperfection adds realism to a track and stops it from becoming too sterile or overly polished. The songwriting drifts between very pop and a bit like classic rock. For example, ‘Feels Pt.2’ is very modern pop, but ‘24 hours’ is more classic rock. It’s nice to have found a balance in which the two can coexist.
How does a Son Mieux song usually come to life: from a groove, a melody, lyrics or a collective jam session?
It depends on the song actually! But with this album, the idea was that we wanted to try to capture the energy we create live as a seven-piece band. So we shifted everything to the rehearsal space: playing the songs and demos live, jam sessions, recording as much as possible in the moment. Starting from that as a foundation and building from there makes it feel more cohesive. It also made the whole process feel more open, and I think it gave the album a kind of cohesion that really came from building it together in real time.
Since you are quite a large band, how does the creative process work within the group? Does everyone contribute to the arrangements?
With seven musicians, the main thing is about creating space for each other, and also just listening to what a song needs. Not everyone has to be playing all the time, so a big part of it is figuring out who is actually essential in each moment of a track. What also helps is that we don’t really treat roles as fixed. A lot of us play different instruments, so people switch it up depending on the song. It’s never about trying to fit seven people into every bar. It’s more about making sure the song leads, and we just follow what it needs in that moment.
Camiel and Quinten, how important is your personal relationship in the songwriting process?
Our personal relationship has always played a big part in the songwriting and creation process. Quinten and I both wr
te songs, and I think what makes it work is that we don’t really need long explanations. There’s also a level of honesty that comes with being brothers. If something doesn’t feel right, we can say it straight away. I think that helps a lot in songwriting, because you can move quickly without overthinking things too much. In the end, that relationship is a big part of how the songs come together.
Throughout 24 HOURS there’s a strong balance between energy and melancholy: was that something you were consciously aiming for?
That contrast is a fine line we like to balance on. It’s a balance that just feels very natural to us, and reflects how things are in our lives. You’re never just one thing at a time. You can feel good and uncertain, excited but lost, sometimes all in the span of one day. It wasn’t so much a conscious plan, more something we kept recognising and leaning into as the album took shape.
Is there one song on the album that you consider the emotional core of the project?
That’s always a difficult question, it’s like choosing between your loved ones. But if I had to, I’d say there are two songs on the album that are the emotional core of the project. The first one is ‘Tonight’, because it really kickstarted the new direction of the band. It set the tone for the new music that came after. The second one is ‘Someone’, which was a first-taker in the studio that to this day, we still don’t want to practice too much because the unpredictable feeling it creates while playing gives it an edge that we love.
Your lyrics often deal with time, relationships and change: how autobiographical is this record?
It’s definitely autobiographical. When I’m writing, I usually start very close in: just the feeling, or the lyric. I look at the people around me and what they’re going through in their lives, and I try to capture that in a truthful way. But in the end, I always find that I inevitably come back to myself. I want the songs to speak to you personally, almost like it’s meant just for you, but at the same time it should feel like something you want to share with other people. ‘24 Hours’ is a reflection of our experiences: the pressure, the breaking point, and then acceptance and re-growth.
After The Mustard Seed, did you feel any pressure to confirm the success the band had achieved?
Strangely, I think we felt less pressure with ‘24 Hours’ because it flowed so naturally. With ‘The Mustard Seed’ there was a feeling of needing to establish something and prove ourselves. With this new album, we were working so much more in the rehearsal room together and the songs just started taking shape organically. It was more like following what was already happening in front of us.
What do you think sets Son Mieux apart from the current European indie pop scene?
That’s a difficult one to answer about yourself. I don’t know if we set out to be different from anything else. But I think our live energy as a seven-piece band is something that seems to translate really well in different places.
You’ve built a strong reputation as a live band: how different is the energy of these new songs on stage compared to the studio versions?
Almost all of the songs on the album started when we were playing them in our rehearsal space, so in a way we’ve been thinking about how they translate to the stage for a long time. Right now, we’re in the middle of our biggest Dutch tour ever and it’s been so much fun taking this new album on the road with us. The energy of the new songs is definitely different compared to the studio versions. Once they’re in a room full of people, they take on a second life.
Was there a song from 24 HOURS that surprised you once you started playing it live?
Our first duet, ‘Dark Before The Dawn’. The reaction of the audience is incredible to this song, and something we didn’t fully expect. Every time Maud, our violinist, starts singing, people go crazy. So it’s been really special to see how strongly it connects live, and how it keeps growing every time we play it.
What kind of relationship do you have with the Italian audience, and what memories do you have from your shows in Italy?
Last summer, we had the honour of supporting Nile Rodgers in Italy, which was an insane experience by itself. His Italian audience was so warm and open to us. We didn’t really know what to expect, but to see people in Lucca, Rome, Cattolica and Bari dancing to our music was something so special. We really fell in love with Italy because of that whole trip. I remember in Bari we had a day off between shows, spent the day at the beach, and then had a lovely team dinner in the city that evening. It’s those kinds of moments, around the shows as much as on stage, that stay with you for a long time. We hope to be back soon.
Looking at the album as a whole, what was the most difficult or intense moment during the recording process?
I think having to delay the album release, and postpone the clubtour was the most difficult moment in this recording process. Last year, the constant touring started to take a toll on my mental health. It felt like I was sleep-walking through life, and it came to the point that we had to postpone our clubtour last autumn. This was one of the hardest decisions I’ve had to make. But I think it marked a big turning point: to choose rest and to step back. That’s where the sense of renewal comes in. Returning to the stage after this break felt incredible, and really re-established our connection to why we do this in the first place. So the arc isn’t just struggle or just success, it’s the full cycle of moving forward, hitting limits, stepping back, and finding energy again. That’s also what ‘24 Hours’ is about.
If 24 HOURS were a movie, what kind of movie would it be?
I love this question. If ‘24 Hours’ were a movie, it would probably be a day-in-the-life kind of film, something like ‘Before Sunrise’ by Richard Linklater. A story about two strangers meeting and sharing a single day together. It’s very intimate and dialogue-driven, and it’s really about the emotional connection that unfolds in that short amount of time. That idea of time passing, and the sunrise as a symbol of hope and a new beginning, definitely connects to what ‘24 Hours’ is about for us. Another reference would be ‘Punch Drunk Love’ by Paul Thomas Anderson. It follows someone trying to find their place in the world, navigating love, pressure, and his own way of moving through life. He’s a bit misunderstood, and things don’t always go smoothly, but there’s something very human about how he keeps going and connects with others along the way. I think that film shares a similar emotional rhythm with the album, even if it starts from a darker place. In both, there’s this thread of hope, misunderstanding, and eventually some kind of acceptance.
Which song from the album would you recommend to someone who has never listened to Son Mieux before?
The title track ‘24 Hours’. I think it sums up the whole record in a way. It really feels like the anchor of the album, the idea that runs through everything else. The essence of hope is at the forefront, especially in the lyric: “These 24 hours got nothing on me. And I’ll hold my head up. Every day comes for free.” If you want to understand the album in one go, that’s probably the one to start with.
After making such a conceptual album, do you see yourselves continuing down this narrative path in the future, or are you thinking about something completely different next?
I think we never really plan that far ahead in terms of concepts. ‘24 Hours’ revealed itself as a narrative while we were making it, but it wasn’t something we set out to do from day one. So I could imagine the next project being something completely different again. What will stay the same is probably the way we work now: together in a room, playing things live, letting it grow from there.
MAURIZIO DONINI
