STEFANO BERTOZZI – Intervista su Fly away
In occasione dell’uscita del nuovo disco “FLY AWAY”, ho intervistato STEFANO BERTOZZI.
Fly Away è il tuo terzo album, una raccolta di dieci brani nati in momenti diversi, tra il 2019 e il 2025. Più che un disco concepito in un unico periodo, sembra un diario musicale che attraversa gli anni e registra cambiamenti, incontri e riflessioni. Quando hai capito che queste canzoni, pur nate autonomamente, potevano convivere in un unico progetto?
In tutti e tre i miei album, il primo brano composto ha dato il titolo al disco. È stato così anche con Fly Away, che parla del coraggio di cambiare per affrontare le sfide di oggi e della forza interiore necessaria per cogliere le opportunità che si presentano. Più che una cronaca degli avvenimenti di questi sette anni, l’album è una testimonianza delle emozioni e delle riflessioni che li hanno accompagnati. Il filo conduttore è l’invito a guardare oltre l’orizzonte, a liberarsi dai vincoli delle proprie abitudini, a coltivare la curiosità e a non smettere mai di cercare, anche quando questo significa convivere con un’iniziale incertezza. Ciascun brano è nato autonomamente, ma tutti esprimono, in forme diverse, lo stesso desiderio di scoprire nuovi orizzonti, geografici e interiori. È questo desiderio condiviso a riunire i brani in un unico progetto, in cui si intrecciano esperienze, riflessioni, culture e luoghi.
Hai definito la musica il tuo «secret garden», uno spazio creativo che coltivi senza ansia da prestazione, lasciando maturare le idee con i loro tempi. In un panorama musicale dominato dalla velocità delle pubblicazioni, dalla promozione continua e dalla necessità di catturare subito l’attenzione, questa scelta rappresenta quasi una forma di resistenza. Quanto è importante, per te, proteggere la musica dalle logiche della fretta?
Viviamo in società dominate dall’individualismo, dallo stress e dalla velocità, dove troppo spesso viene premiata la risposta immediata, anche quando è errata o parziale. Anche la musica risente di queste dinamiche: si richiede una produzione continua di brani, anche con il contributo dell’intelligenza artificiale, il cui accostamento alla creatività suona come un ossimoro. L’obiettivo principale è la visibilità; il contenuto non è sempre necessario. Io vivo la musica in modo diametralmente opposto. A mio avviso, il processo creativo richiede riflessione, silenzio, pazienza, distacco dalla quotidianità e libertà di sperimentare. Il mio secret garden è quindi uno spazio personale in cui esprimere pensieri, emozioni e riflessioni, senza dover necessariamente rispondere ad aspettative esterne, qualora ve ne fossero.
Racconti di portare sempre con te un quadernetto sul quale annoti pensieri, appunti ed emozioni, per poi riprenderli e trasformarli in canzoni anche a distanza di tempo. Come riconosci che un’intuizione è pronta per diventare un brano? E quanto cambia il tuo rapporto con quelle parole quando le rileggi dopo mesi o anni?
Mentirei se dicessi di saper individuare il momento preciso in cui nasce un brano. L’ispirazione è misteriosa e imprevedibile, guidata dalle Muse, come racconta Platone nel Fedro. A volte bastano una frase, un titolo, un’immagine o un accenno di melodia per dare forma a una canzone. Da lì comincia un lavoro più consapevole: le parole “giuste” devono trovare la “giusta” collocazione e la musica deve esprimere il messaggio che desidero comunicare. Ammetto, tuttavia, che con il tempo è cambiato anche il mio rapporto con i brani. Rileggendoli, ritrovo facilmente le ragioni, le emozioni o le immagini che li hanno ispirati, ma li osservo da una prospettiva diversa, arricchita da nuove sfumature del mio vissuto, nuovi viaggi e nuovi incontri. È uno degli aspetti della musica che continua ad affascinarmi: un brano conserva l’emozione che ha catturato, ma il suo significato si rinnova nel tempo.
Il viaggio è uno dei fili conduttori di Fly Away, ma non si limita allo spostamento geografico: diventa scoperta, apertura mentale e ricerca di qualcosa che ancora non conosciamo. Il brano che dà il titolo all’album è nato nel febbraio 2019, durante il tuo primo viaggio in Cina. Che cosa ha rappresentato quell’esperienza e in che modo ha cambiato il tuo sguardo sul mondo e sulla tua stessa scrittura?
Il viaggio non è un mero spostamento geografico, ma un’occasione di arricchimento, confronto, scoperta e riflessione. La Cina è una civiltà millenaria, profondamente diversa da quella europea, ma altrettanto ricca di storia, filosofia e tradizioni. Quel viaggio ha stimolato ulteriormente la mia curiosità e mi ha insegnato a mettere in prospettiva le mie certezze: nulla va dato per scontato e, per avvicinarsi a questa cultura con umiltà, occorre essere disposti a ripartire da zero. È da questa apertura che nasce la crescita personale. L’esperienza mi ha reso più attento alle sfumature e alla varietà delle esperienze umane, aiutandomi a osservare la realtà da prospettive diverse. Questo sguardo più attento ha probabilmente dato un contributo alla mia musica.
Nel disco convivono brani in italiano e in inglese, due lingue che appartengono entrambe alla tua esperienza personale. La lingua modifica il modo in cui pensi un’emozione o costruisci un’immagine poetica? Ci sono storie che senti di poter raccontare soltanto in italiano e altre che, invece, trovano nell’inglese la loro forma più naturale?
I miei brani nascono già nella loro lingua: non saprei sceglierla consapevolmente, perché ogni canzone trova spontaneamente la propria veste linguistica. Italiano e inglese mi permettono di esplorare modalità espressive diverse; con lo spagnolo diventano tre, ciascuna con la propria musicalità. L’italiano è la lingua «della memoria»: custodisce le mie radici e le mie emozioni più intime e recondite. L’inglese è la lingua «della valigia»: mi accompagna nella vita professionale da quando ho lasciato l’Italia e mi offre un’espressione più libera e immediata. Lo spagnolo è la lingua «della famiglia»: è la lingua della mia amata consorte e la usiamo spesso nei dibattiti familiari con Barbara e Matteo.
Hai descritto i tuoi testi come composizioni concise, nelle quali le parole sono selezionate con grande attenzione, evocando per certi aspetti la forma dell’haiku giapponese. In una canzone, dove musica e parole devono trovare un equilibrio, come decidi che cosa lasciare fuori? Il silenzio e ciò che non viene detto possono essere importanti quanto il testo stesso?
Fin da giovane ho pensato che la vis di un brano risieda nella capacità di evocare emozioni, immagini e riflessioni, non nella quantità di parole utilizzate. Il mio professore di letteratura inglese ci ripeteva: «Se trovo parole non necessarie nei vostri scritti, vi toglierò dei punti». Forse questo insegnamento mi ha in parte condizionato: quando riesco a racchiudere in pochi versi un universo di significati, ne sono molto contento. Il parallelo con l’haiku mi onora, perché è una forma espressiva in cui anche il non detto acquista significato: suggerisce senza descrivere. La scelta delle parole richiede quindi cura, per trovare un “equilibrio delicato” che lasci spazio all’immaginazione di chi ascolta e consenta a ciascuno di ritrovare qualcosa delle proprie esperienze personali.
The Man from Stagira, scritto nell’ottobre 2024, rende omaggio ad Aristotele e alla sua eredità filosofica, ma affronta anche questioni estremamente attuali: il predominio dell’apparenza sulla sostanza, la responsabilità individuale e la ricerca del bene comune. Perché hai sentito l’esigenza di rivolgerti a un pensatore dell’antichità per parlare del nostro presente? E quale insegnamento aristotelico ritieni oggi più urgente recuperare?
La filosofia antica ha ancora molto da insegnarci. A mio avviso, il suo insegnamento più urgente è l’invito a interrogarci su ciò che è giusto fare: senza una forte dimensione etica, la conoscenza rischia di diventare uno strumento inefficace e privo di una direzione chiara. Il brano invita quindi a riscoprire il valore della riflessione in un mondo che tende a premiare la velocità di esecuzione, trascurando gli obiettivi da raggiungere e i mezzi da utilizzare. L’esempio più attuale è quello della tecnologia, sempre più pervasiva: mi sembra che non venga guidata con la saggezza necessaria e nell’interesse delle nostre comunità.
La tracklist accosta titoli come Volando sul lago, A Lullaby by the River Forth e Sands of Silence, legati a paesaggi e atmosfere differenti, ad altri come Piercing of the Veil, che sembra suggerire il superamento di una soglia. Quanto i luoghi reali entrano nella tua musica e quanto, invece, diventano paesaggi interiori? Quando scrivi, parti più spesso da ciò che hai visto o da ciò che hai sentito?
Nella mia musica, luoghi reali e paesaggi interiori si intrecciano fino a perdere i loro confini. Ho avuto la fortuna di viaggiare molto, e continuo a farlo, conoscendo culture diverse e attraversando luoghi e paesaggi differenti. Ogni luogo lascia una traccia, piccola o grande, ma ciò che conta sono le emozioni e le sensazioni che suscita. Volando sul Lago, Lullaby e Sands of Silence nascono da precise suggestioni geografiche, ma spero che trasmettano qualcosa che va oltre il paesaggio: il lago diventa uno spazio di libertà, il fiume custodisce una dolce memoria e il silenzio del deserto invita a un viaggio introspettivo. Piercing of the veil ha invece una natura più filosofica: esprime il desiderio di oltrepassare le apparenze e interrogarsi su ciò che si nasconde dietro la realtà percepibile. Una risposta più concisa sarebbe: la vista può accendere una scintilla, ma solo l’emozione sa trasformarla in musica.
Per Fly Away hai lavorato con la direzione di Francis Gorini, che ha partecipato anche agli arrangiamenti, e hai registrato al London Mixing Studio. Considerando la tua idea della musica come spazio profondamente personale e la scelta di non aver mai avuto un produttore, come si è sviluppato il confronto con Gorini? In che modo il suo contributo ha arricchito le canzoni senza alterarne la natura più intima?
Francis è un musicista eccezionale e, nel tempo, è diventato un vero amico. L’ho conosciuto nel 2016, quando vivevo a Londra con la mia famiglia e avevo da poco iniziato a registrare e pubblicare i miei brani. Gli inviai per email il mix di una canzone – di cui, colpevolmente, non ricordo il titolo – che trovavo mal realizzato e piuttosto rozzo. Mi telefonò e cominciò a illustrarmi tutti i difetti del mix, come se parlasse con un musicista di lungo corso. Lo fermai, spiegandogli che ero un amatore e cercavo uno studio con prezzi «da famiglia», adatti a un cantautore alle prime armi in sala di registrazione. Si mise a ridere e mi disse che ci avrebbe pensato e mi avrebbe fatto sapere. Già dalla seconda telefonata, Francis è diventato il mio punto di riferimento e una guida sapiente nella costruzione dei miei arrangiamenti: gran parte del merito va a lui. Apprezzo soprattutto la sua sincerità e il rispetto quasi maniacale che riserva a qualsiasi lavoro musicale. Non riuscirei a condividere le mie idee musicali con altre persone. Francis entra nel mio secret garden solo quando l’idea è compiuta e pronta per la sala di registrazione.
Il tuo album sembra invitare l’ascoltatore a rallentare, a lasciarsi attraversare dalle canzoni e a costruire un proprio percorso, senza imporre interpretazioni definitive. In un’epoca in cui tutto viene spesso spiegato, classificato e consumato rapidamente, lasciare spazio all’immaginazione è anche una scelta artistica precisa? E se chi ascolta Fly Away dovesse portare con sé una sola domanda dopo l’ultima traccia, quale vorresti che fosse?
Sono stato abbastanza curioso nella vita? È questa la domanda che vorrei rimanesse a chi ascolta. Considero la curiosità un potente motore della nostra esistenza. Oggi si tende a delegare all’intelligenza artificiale anche quella spinta a esplorare orizzonti sconosciuti, a conoscere e comprendere culture diverse, a mettere in discussione la nostra comfort zone e le nostre certezze. La curiosità è anche un viaggio interiore che molte persone temono. Significa risvegliare la capacità di stupirsi, apprezzare davvero le cose semplici e continuare a imparare, a qualsiasi età.
Dopo aver attraversato luoghi geografici, memorie personali e domande filosofiche, Fly Away sembra suggerire che partire non significhi necessariamente allontanarsi da qualcosa, ma avere il coraggio di avvicinarsi a ciò che ancora non siamo. Stefano, oggi, da che cosa senti il bisogno di prendere il volo e verso quale orizzonte stai cercando di andare?
La musica è per me una delle forme più autentiche del viaggio: un modo per superare i confini del tempo e dello spazio. Ogni volta che raggiungo un orizzonte con l’uscita di un nuovo brano, ne intravedo un altro, come se fosse già lì ad attendermi. Prendere il volo, quindi, non significa fuggire da qualcosa, ma andare incontro a una nuova esperienza, a un’emozione inattesa o a una dimensione di noi stessi ancora inesplorata. Per me è un’esigenza: continuare a esplorare nuovi orizzonti per non restringere i confini della mia creatività ed allontanare la quotidianità quando rischia di comprimere la mia curiosità.
MAURIZIO DONINI
Band:
Stefano Bertozzi
