FROZEN CROWN – Intervista a Federico Mondelli su The Legend of the Six Kings

In occasione dell’uscita del loro nuovo album  “The Legend of the Six Kings” per Napalm Records, ho intervistato il frontman dei “FROZEN CROWN, Federico Mondelli.

Federico, ho ascoltato il nuovo disco, che uscirà il 3 ottobre per Napalm Records. Voi però siete già in tour adesso?
In realtà stiamo ultimando i preparativi per il tour che parte il 28: il 26 lasciamo l’Italia per l’America, dove faremo il nostro primo tour da headliner con i Kamelot. Il secondo sarà quello europeo con i Beast in Black.

Passate anche dalle nostre parti, in Italia?
Purtroppo, no, se non sbaglio faremo solo Milano.

Com’è nata l’idea di The Legend of the Six Kings e il concept che sta dietro, che è anche un po’ diverso come genere rispetto al passato?
Abbiamo avuto un periodo particolarmente intenso, iniziato più o meno a metà 2024: festival estivi, tour con i Kamelot in Europa e il nostro primo tour da headliner. Le cose sono andate molto bene e, come succede in questi casi, è arrivata una forte pressione da parte dell’agenzia di booking e dell’etichetta: finché va bene si continua a battere il ferro. I Beast in Black ci hanno scelti per il loro tour, l’agenzia ci ha messo in alcuni dei festival estivi più grossi che abbiamo mai fatto, tipo il Summer Breeze, e l’etichetta ci ha detto che dovevamo assolutamente fare un altro disco, perché non si può andare in tour — tra l’altro anche in America con i Kamelot — senza un disco nuovo. Però non è stata solo una fredda richiesta dell’etichetta: in quell’anno siamo cresciuti molto come band, come individui e come team. Da gruppo più «da studio», che poi si limitava a riproporre i pezzi dal vivo, abbiamo sentito l’esigenza di fare un disco che rappresentasse davvero tutti i membri e l’energia live della band, con pezzi più asciutti e diretti. The Legend of the Six Kings, nasce proprio da qui: sei re, non uno, e nessun suddito. È un disco che vuole enfatizzare l’importanza di ciascun membro.

È una bella idea, un concept interessante. E poi c’è anche un chiaro richiamo a Tolkien nel disco.
Quello è dovuto in gran parte alla nostra cantante Giada, che è la fan numero uno di Tolkien. Avevamo sempre voluto fare qualcosa di ispirato a lui, ma senza la giusta suggestione — il video giusto, l’immagine giusta — non avrebbe funzionato, e in passato eravamo rimasti un po’ sul vago. Questa volta, avendo la possibilità di lavorare più in profondità anche sul lato visivo — copertina, video, immagine coordinata — abbiamo deciso di fare questo tributo, esplicito fin dal primo singolo, The One: il pezzo di apertura. In realtà, come mi hanno fatto notare in molti, il nostro «The One» non è l’Unico Anello ma l’unica corona: è un po’ un mock-up di quell’idea. 

La mia impressione è che sia un disco ancora più curato dei precedenti — che erano già belli — con tonalità più forti e più scure rispetto ad alcune brillantezze del passato. Credo rispecchi sia una vostra volontà di cambiamento graduale, sia i cambi di line-up: anche Giada mi sembra canti in maniera più scura e incisiva.
Assolutamente sì, è venuto fuori in maniera del tutto naturale. Probabilmente c’entrano anche le vicissitudini che abbiamo vissuto di un periodo molto intenso, ma anche molto stressante, e in quei casi si tende a diventare un po’ più «cattivi».

C’è stato anche un cambio in line-up, con l’ingresso della Stamenkovic al posto di Fabiola, e l’aggiunta di una terza chitarrista, che cambia parecchio il suono della band — e immagino anche l’impatto scenico dal vivo con tre chitarristi sul palco.
Assolutamente. È stata un po’ una motivazione che ha chiamato l’altra, e viceversa: inizialmente è nata come esigenza di sound. Io e Fabiola ci siamo conosciuti quando eravamo già in due chitarre, in tour con i Powerwolf, nel periodo in cui era appena uscito Call of the North, il nostro disco più pregno di tracce di chitarra in assoluto. In studio ci divertivamo ad aggiungere moltissimi layer di chitarra — abbiamo sempre preferito quello alle orchestrazioni — ma ci ritrovavamo con tracce da 25-26 parti diverse, impossibili da riprodurre dal vivo. Proprio durante quel tour, che tra l’altro è andato benissimo, ci siamo resi conto che mancava una componente ritmica forte: quando io e Fabiola armonizzavamo le parti lead, la ritmica veniva a mancare. Oggi non sarebbe un problema, perché molte band usano sequenze o chitarre finte in playback, ma non è mai stato nelle nostre corde. Così abbiamo deciso di espanderci con una terza chitarra, il che ha reso anche la scrittura in studio più lineare, dato che scriviamo sempre pensando a come riprodurre i pezzi dal vivo.

Tra te e Giada ci sono anche degli scambi, dei duetti fra voce pulita e growl, che ricordano un po’ quello che facevano i Lacuna Coil o altri gruppi. Voi non lo fate in maniera esagerata, ma mi sembra un elemento nuovo rispetto al passato.
È sempre qualcosa che ci caratterizza, ma non resta un dualismo così netto: spesso e volentieri cantiamo più o meno le stesse parti, nelle stesse tonalità, andando in pulito, e le voci si confondono. Mi chiedono spesso perché non canto di più, e in realtà canto praticamente per il 90% del disco, solo che non se ne accorgono — che tristezza! In realtà a me non cambia nulla, ma mi rendo conto che spesso abbiamo giocato più su questa somiglianza di timbro che sulla diversità estrema.

Alla fine, conta il risultato: Six Kings dove nessuno prevale, sei membri e un unico risultato finale, quello della band. Mi ha colpito molto anche la cover di Iris degli Goo Goo Dolls: a prima vista sembra non avere nulla con voi, ma, invece, l’avete completamente stravolta, e la scelta stessa del pezzo è coraggiosa, trattandosi di un brano famosissimo.
Esatto: è un pezzo famosissimo, ma nessuno l’ha mai coverizzato in questo ambito. Per noi è comunque una di quelle canzoni «immortali», che trascendono il genere — probabilmente una delle più belle mai scritte. Ci sembrava interessante provare a riarrangiarla, anche se all’inizio è stato complicato per una questione di tonalità: era molto bassa e Giada non si trovava del tutto a suo agio. Alla fine, però è piaciuta tantissimo a tutti noi, e siamo rimasti sorpresi dalle sfumature che Giada è riuscita a tirare fuori. Il pezzo funzionava così bene che non aveva senso lasciarlo su una B-side o come bonus track: doveva stare nel disco.

Il disco alterna momenti più lenti e malinconici ad altri più classici e potenti, con un bel cambio di atmosfere.
Sì, rientra in quel discorso di voler mostrare tutte le sfaccettature — sei personalità diverse, come sottolinea anche il titolo dell’album — quindi momenti più cupi e momenti più felici. Era proprio un po’ l’intento.

Torniamo alla Napalm Records: questo è il vostro secondo disco con loro, dopo gli anni con Scarlet Records. Un’etichetta così importante alle spalle è anche un bel riconoscimento.
È stato effettivamente molto importante, un attestato di stima. La cosa che ci ha sorpreso è che, quando ci si approccia a un’etichetta così grande essendo comunque piccoli — siamo passati dall’essere una delle band più grandi di Scarlet a una delle più piccole di Napalm — ci si aspetta sempre distanza, persone che non ti rispondono. In realtà non è così: è più che altro una questione di intenti comuni. Ci sono band che non sono collaborative, che non hanno piacere a generare materiale, foto, video, contenuti. Noi siamo sempre stati una band molto legata al lato visivo, e loro sono partiti subito al massimo: ci siamo trovati benissimo perché hanno visto da parte nostra questa predisposizione a comunicare con gli strumenti più attuali. Alla fine, se lavori, l’etichetta lavora con te; se non lo fai, ti abbandona.

Dal mio punto di vista sono davvero efficienti «alla tedesca»: scrivi e ti rispondono, magari non in tempo reale ma comunque in tempi rapidi, cosa che non è affatto scontata con tante etichette.
Confermo, sono molto efficienti e attenti, e lo stesso vale per Annika, che segue noi: se salta fuori un problema, per quanto piccolo o grande, si riorganizzano subito e lo risolvono.

In questo disco c’è un brano a cui ti senti particolarmente legato, che ti ha dato una soddisfazione speciale e che non vedi l’ora di portare dal vivo?
Se me lo chiedessi così, ti direi Iris, senza dubbio: tutti quelli che l’hanno ascoltata finora sono rimasti molto sorpresi, ed è anche la canzone più citata nelle varie interviste. Vorremmo farci quantomeno un video, se non un vero e proprio singolo. Poi ci sono affezionato anche a Wants to Burn in Heaven, che è una delle mie preferite, anche se lì non c’è un motivo particolare.

Sarà curioso vedere come reagirà il pubblico a Iris, visto che la fanbase è legata a stilemi diversi da quelli dei Goo Goo Dolls. Il pubblico metal, che sappiamo essere abbastanza «inquadrato», credo però risponderà molto bene.
Esatto. Tra l’altro proporremo questo pezzo dal vivo per la prima volta proprio in America, dove ha avuto la massima diffusione: siamo curiosi di vedere le reazioni del pubblico.

Non ti chiedo dei progetti futuri, visto che il disco deve ancora uscire — ma guardando indietro, avete già pubblicato sei dischi. Come è cambiato il vostro percorso artistico dal primo a questo?
Non è una cosa che ho notato particolarmente su me stesso, perché mi sento sempre più o meno lo stesso. Quello che è cambiato, forse, è l’approccio degli altri membri alla gestione della band in generale: ci sono tantissimi aspetti, oltre a comporre, scrivere e suonare dal vivo, di cui bisogna occuparsi. Siamo diventati un vero team.

Vuoi aggiungere qualcosa prima di chiudere?
Un saluto ai fan italiani, che sono sempre splendidi — anche se, per motivi anagrafici oltre che ovvi, la nostra fanbase principale non è in Italia, come del resto per quasi tutte le band metal. Mi farebbe piacere rivedere i fan italiani, magari non solo a Milano, anche se per ora purtroppo è così.

MAURIZIO DONINI

Band:
Giada “Jade” Etro – voce principale e cori
Federico Mondelli – chitarra solista, voce principale e cori
Alessia Lanzone – chitarra solista
Aleksandra Stamenkovic – chitarra solista
Francesco “Ikki” Zof – basso e cori
Niso Tomasini – batteria

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** ENGLISH VERSION **

Federico, I’ve listened to the new album, which comes out on October 3rd via Napalm Records. But you’re already on tour right now?
Actually, we’re wrapping up preparations for the tour that starts on the 28th: on the 26th we leave Italy for America, where we’ll do our first headline tour with Kamelot. The second leg will be the European one with Beast in Black.

Are you coming through Italy as well?
Unfortunately not — if I’m not mistaken, we’re only doing Milan. 

How did the idea for The Legend of the Six Kings come about, and what’s the concept behind it, which is also a bit different genre-wise compared to your past work?
We went through a particularly intense period that started roughly in mid-2024: summer festivals, touring with Kamelot in Europe, and our first headline tour. Things went really well, and as usually happens in these cases, there was a lot of pressure from the booking agency and the label — while it’s going well, you keep pushing forward. Beast in Black picked us for their tour, the agency booked us for some of the biggest summer festivals we’ve ever played, like Summer Breeze, and the label told us we absolutely had to make another album, because you can’t go on tour — especially to America with Kamelot — without new music. But it wasn’t just a cold request from the label: that year we grew a lot as a band, as individuals, and as a team. From being more of a studio band that simply ended up playing the songs live afterward, we felt the need to make an album that truly represented all the members and the live energy of the band, with tracks that were leaner and more direct. The Legend of the Six Kings comes from exactly that: six kings, not one, and no subjects. It’s an album meant to emphasize the importance of each member.

It’s a nice idea, an interesting concept. And there’s also a clear nod to Tolkien on the record.
That’s largely thanks to our singer Giada, who is Tolkien’s number one fan. We’d always wanted to do something inspired by him, but without the right atmosphere — the right video, the right imagery — it wouldn’t have worked, and in the past we stayed fairly vague about it. This time, having the chance to work more in depth on the visual side too — cover art, video, coordinated imagery — we decided to pay this tribute, made explicit right from the first single, The One, the opening track. Actually, as a lot of people have pointed out to me, our ‘The One’ isn’t the One Ring but the one crown: it’s a bit of a mock-up of that idea.

My impression is that this is an even more polished record than the previous ones — which were already good — with stronger, darker tones compared to some of the brighter moments of the past. I think that reflects both your own gradual desire for change and the line-up changes: Giada, in particular, seems to sing in a darker, more incisive way.
Absolutely, it came out completely naturally. It’s probably also connected to what we went through as a band: a very intense but also very stressful period, and in situations like that you tend to get a bit ‘meaner.’

There was also a line-up change, with Stamenkovic coming in for Fabiola, and the addition of a third guitarist, which changes the band’s sound quite a bit — and I imagine it also affects the live impact, with three guitarists on stage.
Absolutely. It was a bit of a case of one motivation calling for the other, and vice versit started out as a sonic need. Fabiola and I met when we were already a two-guitar band, on tour with Powerwolf, right around when Call of the North had just come out — our record with the most guitar tracks by far. In the studio we loved piling on tons of guitar layers — we’ve always preferred that to orchestration — but we’d end up with tracks that had 25 or 26 different guitar parts, impossible to reproduce live. It was actually during that tour, which went really well overall, that we realized we were missing a strong rhythmic component: whenever Fabiola and I were harmonizing the lead parts, the rhythm side would drop out. These days that wouldn’t really be a problem, since a lot of bands use sequences or fake, non-playback guitars, but that was never really our style. So we decided to expand and add a third guitarist, which also made the studio writing process more straightforward, since we always write with an eye toward reproducing the songs live.

Between you and Giada there are also some exchanges, duets between clean vocals and growls, which recall a bit what Lacuna Coil and other bands used to do. You don’t overdo it, but it feels like a new element compared to the past.
It’s always something that characterizes us, but it’s not just a sharp dualism like that — quite often we actually sing more or less the same parts, in the same keys, going clean, and the voices blend together. People often ask me why I don’t sing more, and honestly I sing on about 90% of the album, they just don’t notice — which is a bit sad! It doesn’t really change anything for me, but I realize we’ve often played more on that similarity in timbre than on extreme contrast.

In the end, the result is what counts: Six Kings, where no one prevails, six members and one single final result — the band itself. I was also really struck by the cover of Iris by the Goo Goo Dolls: at first glance it seems to have nothing to do with you, but instead you’ve completely reworked it, and choosing that song in the first place is a bold move, given how famous it is.
Exactly — it’s a very famous song, but nobody has ever covered it in this scene. For us it’s one of those ‘immortal’ songs that transcend genre — probably one of the most beautiful songs ever written. We thought it would be interesting to try rearranging it, though it was tricky at first because of the key: it was very low, and Giada wasn’t entirely comfortable with it at the start. In the end, though, all of us loved it, and we were surprised by the nuances Giada managed to bring out. The song worked so well that it didn’t make sense to leave it as a B-side or bonus track — it had to be on the album.

The album alternates between slower, more melancholic moments and others that are more classic and powerful, with an interesting shift in atmosphere.
Yes, that ties into what I was saying about wanting to show every facet — six different personalities, as the album title also underlines — so darker moments and happier ones. That was very much the intent.

Back to Napalm Records: this is your second album with them, after your years with Scarlet Records. Having such an important label behind you is also quite a recognition.
That’s actually been very important — a real vote of confidence. What surprised us is that when you approach such a big label while still being relatively small — we went from being one of the biggest bands on Scarlet to one of the smaller ones on Napalm — you’d expect distance, people who don’t get back to you. In reality, it’s not like that at all: it’s mostly about shared intent. There are bands that just aren’t collaborative, that don’t enjoy generating content, photos, videos. We’ve always been a band very tied to the visual side, and they went all in right away — it’s worked really well because they saw that willingness on our part to communicate with the tools that are most relevant today. In the end, if you put in the work, the label works with you; if you don’t, they let you go.

From my point of view, they’re really efficient in that ‘German’ way: you write to them and they get back to you — maybe not instantly, but fairly quickly — which really isn’t a given with a lot of labels.
I can confirm that, they’re very efficient and attentive, and the same goes for Annika, who works with us: if a problem comes up, big or small, they reorganize right away and sort it out.

Is there a track on this record you feel especially attached to, one that gave you a particular sense of satisfaction and that you can’t wait to bring to the stage?
If you ask me like that, I’d say Iris, without a doubt: everyone who’s heard it so far has been really surprised, and it’s also the song that’s mentioned most in interviews. We’d like to at least do a video for it, if not make it an actual single. I’m also quite attached to Wants to Burn in Heaven, which is one of my favorites, although there’s no particular reason for that one.

It’ll be interesting to see how the audience reacts to Iris, given that your fanbase is used to a different style than the Goo Goo Dolls. Metal audiences, who we know can be pretty set in their ways, will probably respond really well, though.
Exactly. And on top of that, we’ll be playing it live for the first time in America, where that song had its biggest reach — we’re curious to see how people react.

I won’t ask about future projects, since the album hasn’t even come out yet — but looking back, you’ve already released six albums. How has your artistic journey changed from the first one to this new record?

It’s not something I’ve particularly noticed in myself, because I always feel more or less the same. What has changed, maybe, is the approach the other members bring to managing the band in general: there’s a lot that goes into it beyond writing, composing and playing live, and we’ve really become a proper team.

Anything you’d like to add before we wrap up?
A shout-out to our Italian fans, who are always amazing — even though, for obvious reasons as well as demographic ones, our main fanbase isn’t actually in Italy, which is true for pretty much all metal bands. I’d love to see our Italian fans again, hopefully not just in Milan, even if for now that’s unfortunately how it is.

MAURIZIO DONINI